Ricardo Pachón, el visionario productor musical que adivinó antes que nadie la fuerza y la originalidad que se generaba cuando confluían el flamenco y el rock, ha fallecido este miércoles a los 89 años. Nunca se encerró en los estudios, como otros profesionales. Él acudía a los tablaos, se iba de juerga con los músicos, estaba allí cuando la chispa provocaba el incendio creativo. Su alma e intuición primaban más que su técnica. Produjo unos cien discos, pero sin duda estos cinco fueron los más relevantes, los que forman parte de la reducida lista de las obras maestras de la música española.
Ricardo Pachón, el visionario productor musical que adivinó antes que nadie la fuerza y la originalidad que se generaba cuando confluían el flamenco y el rock, ha fallecido este miércoles a los 89 años. Nunca se encerró en los estudios, como otros profesionales. Él acudía a los tablaos, se iba de juerga con los músicos, estaba allí cuando la chispa provocaba el incendio creativo. Su alma e intuición primaban más que su técnica. Produjo unos cien discos, pero sin duda estos cinco fueron los más relevantes, los que forman parte de la reducida lista de las obras maestras de la música española.
Smash, ‘Vanguardia y pureza del flamenco’ (1971/1978)
El primer laboratorio de Ricardo Pachón para dar con la fórmula que buscaba: la mezcla del flamenco con el rock psicodélico que llegaba de Estados Unidos y Reino Unido. “En Sevilla se escucharon los discos de Pink Floyd 10 años antes que en Madrid. Salían de Estados Unidos o Reino Unido y a los dos días estaban en la base de Morón o Rota. Y como teníamos contactos, nos los pasaban. Los escuchábamos una y otra vez. La música de Pink Floyd nos atravesaba”, contó Ricardo Pachón a este periódico en mayo de 2020. Smash irrumpió en Sevilla como un grupo de rock psicodélico a finales de los sesenta. Pachón planeó reunir a esos músicos con Manuel Molina, un flamenco salvaje, intuitivo y disruptivo. Se lo planteó a Molina, que después de escuchar los dos discos de Smash le dijo que no le interesaba. Molina odiaba el rock. Y aquí llega un ejemplo de la forma de trabajar de Pachón, su capacidad para embaucar a músicos utilizando los lazos de amistad y su mismo lenguaje. Le dijo: “Si te unes a ellos, puedo influir para acortar tu mili” (Molina estaba en pleno servicio militar obligatorio). Y así fue. De aquella unión de músicos flipados por la psicodelia y un cantaor y guitarrista flamenco salió El garrotín, piedra inaugural del flamenco-rock. También se grabaron otras canciones, pero a la discográfica no le convencieron. En la producción figuraba el francés afincado en España Alain Milhaud, que chocó de inmediato con el carácter ingobernable de Molina. Así que esa grabación salió adelante por la presencia, confiable para los músicos, de Pachón, por esa época un inexperto en asuntos técnicos.
No fue hasta 1978, con Smash ya disueltos hacía años, cuando Zafiro logró rescatar cinco canciones de aquellas locas sesiones financiadas por Oriol Regàs, hermano de la escritora Rosa Regàs y promotor cultural. Buscando una supuesta vía comercial, Zafiro lo lanzó como Vanguardia y pureza del flamenco,con una cara con temas de Agujetas y la otra dedicada a Smash. Esas cinco canciones (Alameda’s Blues, Ni recuerdo ni olvido, Tarantos, Tangos de Ketama y el citado El garrotín) suenan como se había imaginado Pachón el paraíso: un concierto donde compartieran cartel Jimi Hendrix, Tomás Pavón, Syd Barrett, Enrique Montoya y Los Bravos.
Lole y Manuel, ‘Nuevo día’ (1975)
El primer disco del dúo sevillano, publicado meses antes de la muerte del dictador y un huracán de esperanza para los jóvenes progresistas españoles de la época: las letras, del poeta de espíritu hippie Juan Manuel Flores, hablaban de un futuro distinto, de la llegada de un nuevo tiempo, de pasar página, de la belleza de la naturaleza en contraposición a la oscuridad de la que se salía. “El flamenco siempre se había cantado desde el dolor, como el blues. Pero Nuevo día está lleno de textos luminosos. Es un canto a la vida”, explicó Lole Montoya a EL PAÍS en diciembre de 2025. Son valores destacados la voz brillante y arrebatada de Lole, el ritmo lento y percusivo de la guitarra de Manuel (no era un virtuoso, pero derrocha originalidad) y las letras de Flores: “Que grite la flor y que se calle el cardo, y todo aquel que sea mi enemigo que sea mi hermano. / Sigamos por esa senda, a ver qué luz encontramos” (Todo es de color). Pachón grabó al dúo en Sevilla, paseó con las cintas por todas las compañías y le dijeron siempre que “no interesaba”. Hasta que Gonzalo García Pelayo, con su sello Gong en marcha, le dijo que lo regrabaran en Madrid y lo sacaba. Existieron desavenencias entre Pachón y Pelayo. Para ser equidistantes, digamos que lo produjeron a medias, pero Nuevo día salió adelante por el olfato y el trabajo de Pachón. Como anécdota, añadir que un Raimundo Amador de 15 años y en su primer viaje a Madrid aportó palmas.
Veneno, ‘Veneno’ (1977)
Dos historias describen el contexto en el que se concibió este disco y el resultado del mismo. La primera dice que Ricardo Pachón, en vista del desorden que se organizó en las primeras jornadas de grabación, decidió exprimir gotitas de LSD en las bebidas para que de aquel caos por lo menos fluyese la creación. Así fue desde entonces. La otra es que, con el álbum terminado, se le envió una cinta al presidente de CBS, Tomás Muñoz, que la puso en una sala a un nutrido grupo de empleados. Al terminar, Muñoz dijo: “Bueno, ¿qué opináis?”. Silencio. Al rato, un valiente exclamó: “Creo que esto o es la mierda más grande que he escuchado en mi vida o es una genialidad”.
La sociedad formada por Kiko Veneno y los hermanos Rafael y Raimundo Amador, un payo y dos gitanos a mediados de los setenta, Bob Dylan y la guitarra de palo, el ingenio y la pillería. Un contexto anarcohippie que logró encauzar Pachón para producir un disco sublime cuya portada es un bloque de hachís. Un lenguaje provocador y unos experimentos sonoros inauditos. Y clásicos de la música española como Los Delincuentes. Un disco genial con un sonido caótico, a veces hasta desafinado. Nadie mejor que Kiko Veneno para explicar, en una entrevista con EL PAÍS en 2025, esta paradoja: “Todas esas imperfecciones le dan más valor. Porque tiene rabia, creatividad y una gran comunicación a través de las letras, de la forma de tocar la guitarra… Tiene un montón de cosas que lo hacen diferente y que son muy difíciles de conseguir en un disco. Perfección, ninguna, pero ofrece cantidad de puertas abiertas a nuevas ideas y a expresiones del cuerpo y del alma. Ese disco es irrepetible: eso te pasa de joven y lo haces una vez en la vida”. Veneno fue un fracaso comercial y el grupo, frustrado, se diluyó. Hoy, el álbum encabeza los primeros puestos de muchas listas de Los mejores discos de la música española.
Camarón, ‘La leyenda del tiempo’ (1979)
El gran y eterno legado de Ricardo Pachón. No fue ni mucho menos el disco que primero fusionó el flamenco con el rock, pero sí el que protagonizó la figura más sagrada del cante durante varias décadas, Camarón de la Isla. En un encuentro con EL PAÍS en 2020, Pachón asegura que fue él el primero que dio LSD a Camarón: “Y en parte por eso se hizo La leyenda del tiempo. Esa desinhibición de Camarón le permitió aceptar la guitarra eléctrica, la batería, el sitar, el órgano… Porque él venía de las palmas y la guitarra”. Fuera de una forma u otra, el de La Isla quería dan un paso importante en su carrera, probar otras cosas después de muchos discos de flamenco clásico, algunos nada menos que con Paco de Lucía. En La leyenda del tiempo participan músicos sin miedo a la evolución y a los ataques de los puristas. Sus nombres: Jorge Pardo, Tomatito, Diego Carrasco, Raimundo Amador, El Tacita, Pepe Ébano o un Kiko Veneno que aporta Volando voy. Jorge Pardo recordó en 2025 la experiencia de la grabación para este periódico: “Aquello era un caos de opiniones, hubo momentos en que nos juntamos hasta 15 personas, pero sobresalían la alegría y el impulso por tirar para adelante. Nos alimentábamos prácticamente de bocadillos, pero nadie echaba cuentas de aquello, queríamos hacer música, lo demás carecía de importancia. No recuerdo ni lo que cobrábamos. Y Camarón participaba de ese ambiente”.
La leyenda del tiempo carece de un sonido cuidado, pero a quién le importa cuando recoge tanta música maravillosa y libre. Una vez en la calle, el disco se vendió poco, una constante en la carrera de Pachón. Hoy está considerado el mejor de la música española.
Pata Negra, ‘Blues de la frontera’ (1987)
Una vez disueltos Veneno, Pachón se quedó con los hermanos Amador para dar forma a Pata Negra. Los primeros pasos, interesantes, seguían por ese maravilloso alboroto creativo de 1977, pero convenía embarcarse en algo serio, profesional, que sonara bien, incluso que fuera comercial para que lo apoyara la radiofórmula. Blues de la frontera, con la participación de una veintena de profesionales, era ese disco. Es un álbum donde se palpa más el concepto de frontera que el de blues. Porque sí, suenan los pellizcos guitarreros a lo B.B. King, pero también reggae, rumba, jazz-fusión y hasta pop en temas rotundos como Camarón, Pasa la vida o Calle Betis, algunos de ellos escritos por el versado Carlos Lencero. Todo con la marca arrabalera de los Amador.
Una lástima que los hermanos ya no se soportaran (intentaban no coincidir en la grabación) y este disco fuera el último en el que colaboraron. Raimundo se marchó para desarrollar una exitosa carrera en solitario y Rafael se dio a la mala vida y sus dos siguientes discos, como Para Negra, aunque con algún momento brillante, no mantienen la calidad de este. Mucho mérito de Blues de la frontera, una vez más, para Pachón, productor, árbitro de las peleas fraternales, doctorado en paciencia y consultor artístico.
El productor sevillano, que ha fallecido a los 89 años, fue el ideólogo de un puñado de álbumes que forman la cumbre de la fusión de lo jondo con el rock
